邦画

劇中でも、役所広司さん演じる主任弁護士・荒川正義が「痴漢冤罪事件は、日本の裁判制度の問題点が凝縮されている」といったセリフがある。

そしてラストの判決シーンで加瀬亮さん演じる被告人・金子徹平や小日向文世さん演じる裁判官を、真正面、真横といった、あまり映画で用いない構図で撮影する。
美術の世界では、真正面（フロンタル）はおもに宗教画などでつかわれ、対象を神聖化するのにつかわれてきた。
また、真横の構図も、コインなんかに見られるように歴史的人物を描写するのに用いられ、やはり生身の人物描くというよりは、ある程度その人物を神格化する作用がある。
このラストシーンの構図は、被告人と裁判官を抽象化して描く、つまり一つの痴漢冤罪事件を描いたにとどまらないことを示す隠れたメッセージだとうけとった。

ま、劇中のセリフを借りれば、「警察、検察…お上（かみ）にたてつこう」という映画なんじゃないだろうか。
こういうものに国民が不信感を抱いてるときだからこそ、このリアリズムが痛快な感情をも抱かせるのだ。

p.s. この映画のパンフレットも実にしみじみとまじめなつくり。
最近、せっかく買ったパンフレットがまったくもって手抜きでガックリくるケースが少なくない。
それゆえ、映画の評価とは別にパンフレットの評価もやろうかと思っていた矢先。
裁判制度のQ&A、参考文献など、あとから映画の世界をふくらませてくれる、これだけの企画をもったパンフレットもめずらしい。（めずらしいと困るんだが）
映画を見る人は、ぜひパンフレットもセットの現金を用意して出かけてほしい。

しかし、見事なのは、このドタバタとしたドラマのなかにあって、突然未来に対する姿勢への問いかけがおこなわれる。
「もしかしたら、すべてはだれかにきめられていたのではないか。神さまとか…」
「（タイムマシンという）夢はいつか実現されるということはわかった。じゃあ、オレがそれをつくってやろう」
などなど、周囲のものたちが語る未来に対する小さな戸惑い。
しかし、自分の人生にたいする姿勢をきめるのは自分しかいない。

そのあたり、きっちりと「バック・トゥー・ザ・フューチャー」なんかをオマージュし（映画のポスターも出てくるし）、いい部分をとり入れつつも、あいまいになっている部分にメスを入れて昇華させている。
すがすがしく気持ちいい。

しかも、時間旅行は、（おもに）昨日・今日。
「スケールの大きさ」で、人生の楽しさや輝きがかわるわけではない、というのも隠れたメッセージかもしれない。

劇中では「イムジン川」という朝鮮の歌が日本で放送禁止となっている問題をめぐってひと悶着くりひろげられる。
やめろという放送局の上層部にくってかかるプロデューサーのセリフがふるってる。
「あんた、日本の憲法知ってるのか？」
映画製作中はそんなことが起きるとは思ってもいなかったろうが、NHKと自民党中枢がゆ着して、まさに朝鮮の人たちにただならぬ悲劇をもたらした従軍慰安婦についての番組を改編させるという事態が明るみになった。
「憲法を知らない」のが政治家で、しかも彼らが自分たちの都合のいいように憲法をかえようというのだから、ずっとたちが悪い。
結果として、「いま」のメッセージとして重みを増した。

とにかく、青年がうっ積した怒りで大暴れするのは定石として、登場する大人たちは、自分の立場でいうべきことをいい、怒るべきときは怒る。
とくに在日朝鮮人の親父さんの話は、あまりに重くつらい。
しかし、この姿勢もかっこいい。

映画を見たのはちょっと前だが、きょうはアメリカなどによるイラク攻撃開戦から2年の「記念日」。
アメリカとともにイラクに派兵をした37カ国のうち、過半数の19カ国がすでに撤兵、もしくは撤兵を予定しているとのこと。
「国際社会」を口実にイラクに自衛隊を派兵した日本は、日々国際社会の少数派となろうとしている。
たしかに、もっと怒るべき！だ。

時代劇というからには、現代とは違う別世界を体験できるという娯楽性もなくてはならない。
近作では藩内での大砲や鉄砲などの新兵器に対応するための武士の訓練がわかりやすくおもしろい。
当時の武士の所作の基本は、右手と右足、左手と左足が同時に出るというもので、足の運びはすり足。
「エゲレス式」を教える先生の右手と左足、左手と右足を交互に高々と上げて走る、現代では当たり前の動作に、武士の一同は腹をかかえて笑い転げる。
衣装のくたびれ加減や、ちょうど今夏たずねた山形の歴史資料館そっくりの民家のたたずまいなど、じつにリアルだった。

しかし、同時に一般の時代劇はその時代を固定的なものとしてしか描かない。
水戸黄門の印籠をかかげて「ははぁ…」の時代と現在とのつながりなど考えたことがあるだろうか?
あのドラマがどの程度史実にもとづいているかは別にしても、少なくともチョンマゲをゆって刀をさしている一部の人たちに圧倒的多数の人びとが「ははぁ」と頭を下げざるをえなかった時代とは、一つの時間軸のなかにある。
その変化も歴史の事実である。
いくら衣装や言葉などの文化が精密に描かれていようとも、その「時代」が永遠につづく固定したもののように感じられた時点で、歴史としてのリアリティーを失わせる。
…というのもこの作品を見た結果の新たな認識なのだが。
それほどまでに、近作は江戸時代がこのままつづかなかったのは当然だ、と思わせるリアリティーをもっている。

江戸時代が300年もつづいたのは、支配する側にとっても支配される農民にとっても、戦（いくさ）がないという建前の体制はありがたかったから、ではないかと思うが、今作では前述のとおり「大量破壊兵器」に対応するための訓練がおこなわれる。
敵はいったいだれなのか、という矛盾。
武士と農民の娘がおたがいに愛しあっても、けっして結婚は問題にならないという矛盾。
世の中をよくしたいと正義感に燃える者は罪人、私腹を肥やせる体制を維持することに熱心な者がそれを裁くという矛盾…。
そうした矛盾を斬るのが「隠し剣 鬼の爪」というつくりなのだ。

もちろん、こうした歴史観を感じさせるのは、日本映画史上近作がはじめてというわけではないだろう。
黒澤明監督が「七人の侍」のラストで、そのタイトルとは裏腹に「結局、勝ったのは農民だ」といわせたのもその一つ。
しかし、近作と前作「たそがれ清兵衛」は、国民の意識が現在の社会への矛盾をつよめているもとで出るべくしてでた、社会的な背景をもつ「時代劇ルネッサンス」ともいうべき意義をもっているといっていいのではないか。

矛盾するかもしれないが、前作「たそがれ清兵衛」が「ぜんぜんかっこよくない剣の立ち回り」などの、ある一時代のリアリティーにこだわった時代劇の新しさを見せたのにくわえ、近作はそれに歴史の奥行きとエンターテイメント性をもたせて一回り大きな映画をつくりあげている。

そしてあの大作、「ラスト・サムライ」で描かれた侍魂などちゃんちゃらおかしい、という日本映画からの回答として、実におもしろく、意義深い。

「ウォーターボーイズ」のヒットがまだ記憶に新しい矢口史靖監督・脚本の本作。
またしても、高校生の友情と成長のエネルギーを爆発させた素敵な作品だ。
じつは、本家ウォーターボーイズの高校がぼくの出身校。
「ウォーターボーイズ」の方は素直に楽しめなかったので、余計のこと新鮮な印象だった。

とくに「いいなぁ」と思ったのが、途中で「ジャズ」をとりあげられるエピソード。
映画の展開として挫折や壁があって前にすすんだほうがもりあがる。
「ウォーターボーイズ」でも、中間発表で大失敗をして、そのくやしさをバネにがんばる姿が描かれていた。
しかし、今作ではやっと音が出るようになって、「せっかく楽しくなってきたのに」、楽器と練習の機会を奪われるくやしさが描かれる。
…あったなぁ、そういうこと。
せっかく自分らしさを輝かせられるような楽しいこと・熱中できることに出会ったのに、それを「まだ高校生なんだから」とか「お金がかかるから」とか「それより勉強しろ」とかいって、奪われてしまうことはままある。
「でも、やりたい」からはじまるますます燃える気持ちが高校生らしさなのかもしれない。

そして、ジャズ。
音楽のハーモニーと友情が重なったときの胸躍る気分が、よく伝わってくる。
とくに管楽器の演奏シーンは、呼吸を共有するので一体感がつよい。
それを女子がやっていると思うと、その一生懸命さがリアルに伝わってくる。

今回も、題材で映画の80%ぐらいを支えている気がする。
演出や脚本がいいのか、題材がいいのか、そのあたりがごちゃごちになって、でも感動できるというつくりが、じつにいやらしく、くやしい（←ほめ言葉なんだろうか？）。

山形でのロケによる雪景色、方言をそのままとりいれた台詞回しなども素朴でよかった。

やっぱりジャズはいいぞ～。
なんか男子シンクロがあちこちの高校に飛び火しているようだが、ジャズはいいぞー。
男子シンクロみたいな「ダサかっこいい」感じじゃなくて、ストレートにカッコいいし。
思い出の1ページのBGMにジャズがかかるような、そんな人生を過ごすべし――あらためて決意したりして。

映画の内容は、坂口憲二さん演じる、事故で声を失った先生が、母親の生まれ育った島で臨時教員となる、というもの。
原作小説をふくめ、まったくの空想にもとづいてつくられたストーリーだと思われるけれど、学校教育ものとして、なかなか大切な要素がふくまれているように感じた。

その一つが、他人の気持ちを思いやる姿勢。
主人公の先生がしゃべれないというのは、映画の導入部分では正直かなりもどかしく感じられた。
しかし、そのもどかしさがいつしか、「先生はいったい何を考えているんだろう、伝えようとしているんだろう」と、自然と他人の気持ちを思いはかる気持ちにつながっていく。
映画を見ている間のこういう頭の使い方自体が何か新鮮なことに感じられた。
自分の心のせまさがはずかしい。

その結果として、観客の共感の対象が子どもになり、子どもが主人公になること。
坂口憲二さんがパンフレットで「大人が子供に教えるだけが教育じゃないんですよね。今回、僕はいろんなことを子供たちから教わりました」と話している。
なんだか最近の「押しつけ」中心の教育行政にあって、このことを再認識させることはすごく大事だと思う。

そして、時代背景を戦後直後として、どうどうと戦争の反省をうったえていること。
堺正章さん演じる校長先生が、おもむろに「先生は教え子をたくさん戦場に送った。…きみたちには戦争のない世の中をつくってほしい」とストレートにうったえる場面は、本当に大切な授業として心に残る。
じつは、機関車先生が母親の育った島にはじめて訪れる、という設定も日本が戦争を起こすにいたる社会環境が背景となっている。

東京都の教育委員会が、一部の中学で日本が起こした戦争は「正しい戦争だった」とする「新しい歴史教科書をつくる会」（ぼくにいわせりゃ「古い歴史教科書を復活させる会」だが）の教科書を採用することをきめた。
また、アメリカの要求を背景に、憲法9条をなくしそれにあわせて教育基本法もかえる、と自民党、公明党、民主党が動き出している。

はたして教育において、子どもがのびのびと成長することを保障することと、戦争で命を落とすことに疑問を感じない子どもをつくることとは両立しえるのだろうか。
とくに子どもの自己肯定感の希薄さが問題になっているいまの日本で。

「きみたち一人ひとりの命は本当にかけがえのない大切なもの。戦争で命を落とすような不条理なことはさせない。だから、しっかり学んで成長しよう」――こういうストレートな教育が本当にしみる。

さて、映画の内容からやや脱線したが、要は冒頭に書いたとおり子どもがいい。
大人たちのごちゃごちゃがあろうが、子どもは子どもらしく子ども同士で成長していくという理想がこの映画にはあふれている。
魅力的な目標や憧れとなる大人がいればなおいい、というのはいうまでもないが。
そういう映画。
「ほたるの星」の雪辱を果たせた、という感じ（笑い）。